Jak se nazývají druhy malby?

Moderní divák je obeznámen s krajinkami a zátiší, rozlišuje kompozice s náboženskými, mytologickými a historickými náměty. Dějiny umění však zná mnoho obrazů, jejichž obsah do těchto kategorií nezapadá: některé formáty jednoduše ztratily na popularitě a jsou modernímu divákovi neznámé. V barokní éře umělci malovali „vanitas“: zobrazovali lebku a další symboly křehkosti pozemského života a bohatá vlámská zátiší byla také často připomínkou smrti. O významech známých žánrů a o tom, co se skrývá ve starověkých kompozicích – v materiálu umělecké kritičky a autorky telegramového kanálu „Bath Baroque“ Anastasie Semenovičové.

Dnes si diváci při prohlížení zátiší, portrétů, krajin a vícefigurálních kompozic v muzeích často nepředstavují jejich původní funkčnost, která byla určena ekonomickými a sociálními reáliemi relevantními pro daného umělce. Může se zdát, že umělci zvolili formát výhradně na popud inspirace, nebo maximálně po dohodě se zákazníkem. Některá díla však nelze vůbec pochopit bez zohlednění celého kontextu. Například španělský mistr Francisco Goya (1746–1828) je dnes uctíván jako inovátor a první umělec romantismu, ale některé jeho obrazy nevznikaly jako samostatné obrazy, ale jako skici pro tapiserie.

Umělec přijel do Madridu v roce 1775, aby pracoval v Královské manufaktuře na tapiserie, která vyráběla koberce nepouštějící vlákna pro výzdobu královských komnat. Panel „Deštník“ (1777) byl namalován speciálně jako skica pro gobelín. Proto je lehký a dekorativní, jako by byl v rozporu s groteskními postavami pozdního Goyi.

Malířství nebylo vždy uměním pro umění; obraz byl často jen součástí symbolicky významné věci. Stará nizozemská tradice, ke které patří Jan van Eyck (1390–1441), tedy sahá až k miniaturám, kterými místní mistři zdobili Hodinoslovníky francouzské a burgundské šlechty. Odtud pochází pozornost k detailu a rozvoj technologie olejomalby v Nizozemsku, která umožňuje zneviditelnit tahy štětcem, ukázat nejjemnější přechody světla a stínu, zatímco například italští mistři byli věrni temperám až do konce XNUMX. století a nestyděli se za „nedokončený“ obraz, kdy barva zaschla a tahy štětcem se staly viditelnými.

Malířství – to se dá říci o obrazech Hieronyma Bosche (cca 1450–1516), které byly oblíbené u jeho současníků a líbily se i španělskému králi Filipovi II. Jeho dílo „Vytažení kamene bláznovství“ je kulaté, jako zrcadlo. V Nizozemsku rádi zdobili místnosti takovými zrcadly a povrch podkladu v obraze je také konkávní a obraz je hladký. Muž v trychtýřovém klobouku vyřezává tulipán z lebky „pacienta“, mnich a žena s knihou na hlavě, přičemž kniha je zapnutá, sedí poblíž. To je protiklad moudrosti a dílo jako celek je vtipným morálním ponaučením, které nám připomíná, že bychom neměli věřit šarlatánům.

Další slavné Boschovo dílo, Sedm smrtelných hříchů a čtyři poslední věci, bylo původně stolní deskou a pravděpodobně si ho umělec objednal jako „pomůcku k zbožnému zamyšlení“, jak jej nazývá Alexandr Stepanov ve své knize Renesanční umění. Nizozemsko. Německo. Francie. Španělsko. Anglie.

Centrální část kompozice připomíná oko, s Kristem na místě zornice a pod ním nápis: „Pozor, pozor, Bůh vidí.“ To znamená, že se jedná o jakési vševidoucí oko, skládající se ze scén hněvu, marnivosti, chtíče, lenosti, obžerství, chamtivosti a závisti.

Později obraz koupil Boschův obdivovatel Filip II., který si ho prohlížel každé ráno a večer. Dodnes existuje mnoho interpretací Boschových kompozic a je nepravděpodobné, že by se umělec hodil do nějaké konkrétní oblasti. Španělé jeho obrazy nazývali „předkrmy“, čímž odkazovali na hru fantazie, kterou Filip II. tolik miloval.

Ve vlámském umění 17. století existoval formát zvaný „kabinetní malba“ – takto se nazývala drobná díla, která umělci vytvářeli pro volný trh, a kupující jimi zdobili „kabinety“, které se také nazývaly „kabinety kuriozit“. Jednalo se o sbírky kuriozit a vzácností, včetně obrazů. Oblíbenými se staly i obrazy zobrazující takové skříně.

V tomto období, aby byli umělci na nizozemském a vlámském trhu žádaní, museli se specializovat na specifické subžánry – to jim umožňovalo malovat malé obrazy rychle a kvalitně. Díky tomu existovalo více žánrů. S rozvojem globálního obchodu si umělci navíc osvojili mnoho nových námětů – stejně jako vědci studovali a popisovali svět a ve svém zájmu o vědecké poznání se umělci shodovali s držiteli „kabinetů“. Éra se vyznačuje typem „vědeckého umělce“, vášnivého pro vědecké objevy a výzkum, který však nezasahoval do křesťanské víry a náboženského pozadí děl. Takový byl Jan Brueghel Sametový (1568-1625), syn Pietera Brueghela staršího („Rolníka“). Díky němu se objevily žánry jako „rajská krajina“ a „obrazy s květinovými girlandami“.

Na jedné straně se girlandy a květiny v evropském umění vyskytovaly již od předkřesťanských dob a z velké části nikdy nezmizely. Na druhé straně boom přírodních věd přispěl k tomu, že květinové girlandy a další díla Jana Brueghela Sametového (nazývali ho také Květinový Brueghel) s obrazy ovoce, hmyzu a zvířat se zcela lišily od obrazové konvence, kterou diváci znají ze zátiší a růží, například od Konstantina Korovina (1861–1939).

Pro Korovina je samotný obraz a vlastnosti barev důležitější než botanická přesnost, stejně jako u Van Gogha u slunečnic převládá exprese; v tomto umění jsou květiny pouze záminkou k vyjádření charakteru obrazu.

Květiny jsou v tomto případě zábleskem barev, zatímco Jan Brueghel pracoval v královských sklenících na dvoře španělských guvernérů v Bruselu a využíval příležitosti k kreslení vzácných rostlin.

Botanický podžánr někdy nabýval podob, které jsou pro moderního diváka obtížně pochopitelné. Umělec Bartolomeo Bimbi (1648–1729), který pracoval pro vévodu Cosima III. Medicejského, je známý svými pečlivými botanickými studiemi a pravidelné zakázky od vévody pro umělce vypadaly takto: Cosimo našel zajímavé exotické ovoce a okamžitě ho poslal Bimbimu k načrtnutí. Existuje dokonce verze, že vévodovu vášeň pro ovoce a rostliny lze vysvětlit jeho zdravotními problémy, kvůli kterým mu byla předepsána vegetariánská strava.

Dalším aspektem barokního zátiší je vanitas, alegorický obraz, který má připomínat smrt. Takové kompozice byly oblíbené v Nizozemsku. Zátiší obvykle tvoří lidská lebka, přesýpací hodiny, kniha a další věci, které nutí diváka přemýšlet o čase a pomíjivosti života. V italském umění byly smutné a zlověstné atributy kontrastně doplněny květinami a ovocem (současnost života a smrti je obecně charakteristickým motivem barokního umění).

Dalším žánrem evropské malby, který se postupem času stal minulostí, je skupinový portrét. Dnes plní své funkce fotografie a místo placení guldenů a umělci za zobrazení zaměstnanců firmy si můžete najmout fotografa na firemní akci, ale tato možnost se objevila nedávno. V muzejních sálech s obrazy ze 16. a 17. století se nachází mnoho skupinových portrétů lidí spojených profesními charakteristikami, tedy členstvím v cechu. Může se jednat o díla, v nichž tváře a postavy lidí jednoduše těsně vyplňují prostor, nebo o složitější kompozice, jako je Rembrandtova „Noční hlídka“.

V dějinách umění existuje také žánr, který se na první pohled blíží realismu 1599. století, ale vznikl v 1660. století – bodegon. Vyvinul se ve Španělsku na základě italských vzorů a zpočátku pravděpodobně zobrazoval španělské taverny, ale poté se bodegon začal nazývat obrazy chudých při jídle nebo vaření a poté jednoduše důrazně skromná zátiší. Raná díla Diega Velázqueze (XNUMX-XNUMX) jsou považována za bodegones.

Popularita obrazů chudých a jejich specifická intonace je charakteristická pro Španělsko – právě v této zemi se objevil pikareskní román, kde hrdinou nebyl ušlechtilý rytíř s přísnými zásadami a vysokou morálkou, ale darebák, lstivý obyčejný člověk, nucený přežít v krutém světě. Ve Španělsku existoval silný sociální kontrast mezi superbohatými grandy a masou chudé populace, takže se „důstojnost chudoby“ stala součástí kultury, odtud pochází prosazení bodegonu.

Dalším méně zřejmým podžánrem je posmrtný portrét. Jedná se o zobrazení významné osobnosti po smrti, jako by objekt žil. Při zobrazování státníků se posmrtný portrét prolíná s historickou malbou a slouží k formování historických mýtů a někdy i jako forma reflexe o povaze moci. Jeden z nejslavnějších portrétů Petra I. namaloval francouzský umělec Paul Delaroche v roce 1838 (více než sto let po císařově smrti). A sovětští umělci malovali posmrtné portréty Lenina.

Takové portréty ukazují osobnost jako souhrn úspěchů a mytologický symbol. Jsou zbaveny osobního rozměru, který nevyhnutelně vyplývá z živého kontaktu s modelem a který je tak jasně viditelný například na portrétech španělského krále Filipa IV. od Velázqueze.

Tento subžánr má ale i osobní rozměr – pokud jde o osoby blízké umělci nebo zákazníkovi. Rubensův „Portrét služebné infanty Isabely“ (1623/26) z Ermitáže (připisovaný sovětskými a ruskými odborníky) je někdy nazýván portrétem umělcovy nejstarší dcery, která zemřela v době, kdy obraz vznikal. Zároveň „služka“ vypadá jako umělcova první manželka Isabella Brantová a existuje i verze, že Rubens nemaloval svou dceru, ale mladší verzi své manželky. Tak či onak, intimní intonace portrétu, jemná malba, důraz na vnitřní svět modelky, obvykle pro Rubense netypické, hovoří ve prospěch osobního tónu ve vztahu k zobrazenému. Dnes můžete člověka „zestárnout“ nebo „omladit“ pomocí neuronových sítí, chatboti dokonce umožňují „komunikovat“ s zemřelým a na pódiu vystupují hologramy zesnulých rockových hvězd, které zaujímají mezeru, kterou dříve zaujímaly posmrtné portréty.

No a jedním z „nejsladších“ žánrů, který nakonec ustoupil drsnému realismu, byla bukolická krajina. Sladcí pastýři a pastýřky v lůně přírody s čistě růžovými tvářemi a stuhami ve vlasech, tiché a klidné krajiny (jedno z děl francouzského rokokového mistra Antoina Watteaua se jmenuje „Klidná láska“).

Bukolika je druh virtuální reality s ideálně čistým venkovským životem, který by samozřejmě ve skutečnosti nemohl existovat. V tomto ohledu se bukolické krajiny a život na nich zobrazený blíží moderním obrazům ideálního venkovského života a úniku z ekoosad z umělé inteligence. Inkarnace této původní bukoliky lze snadno najít v moderním umění, ačkoli dnes jsou útulné domy obklopené sladkou krajinou považovány za kýč a znak nevkusu.

Malířství je druh výtvarného umění spojený s přenosem vizuálních obrazů nanášením barev na povrch.

Existuje pět druhů malby: stojanová, monumentální, dekorativní, divadelně-dekorativní, miniaturní. Stojanová malba zahrnuje díla, která existují bez ohledu na místo vzniku. Jde především o obrazy vytvořené na stojanu (tj. na stroji) umělce. Ve stojanové malbě převládají díla zhotovená olejovými barvami, ale lze použít i jiná barviva (tempera, akrylové barvy atd.). Obrazy se obvykle malují na plátno napnuté na rámu nebo nalepené na karton. V minulosti se hojně používaly dřevěné desky, lze použít jakékoli ploché materiály.

Monumentální malba se provádí přímo na stěnách a stropech budov a jiných staveb. V minulosti převládala malba vodou ředitelnými barvami na vlhkou omítku (freska). V Itálii se až do začátku 16. století používala tempera k malování detailů na zaschlou „čistou fresku“. Technika „čisté fresky“ vyžaduje od umělce zvláštní dovednost, proto se používaly i jiné technologie, například méně stabilní malba na suchou omítku – secco, později se malby prováděly olejovými barvami, které se pro monumentální malbu příliš nehodí.

Barevné obrázky na papíře (akvarel, kvaš, pastel atd.) jsou formálně, například podle svého místa ve sbírce, klasifikovány jako grafika, ale tato díla jsou často považována za obrazy. Všechny ostatní způsoby barevného zobrazení jsou klasifikovány jako grafika, včetně obrázků vytvořených pomocí počítačové technologie.

Nejběžnější obrazy jsou ty, které se malují na rovných nebo téměř rovných površích, jako je plátno napnuté na rámu, dřevo, len, ošetřené stěny atd.

Existuje také úzký výklad pojmu malba jako díla provedená olejovými barvami na plátně, kartonu, sololitu a jiných podobných materiálech.

Etymologie a sémantika

Ruské slovo malba označuje realismus tohoto umění v barokní éře, kdy se v Rusku začaly malovat obrazy západního stylu, převážně olejovými barvami. V ikonopisectví se používá sloveso „pisaŭ“, stejně jako v řečtině. Zároveň lze „živopis“ chápat jako energický, osobitý způsob malby, tedy jako druh písma.

V souvislosti s malířstvím a psaním sémiotici také vidí určitý způsob vytváření znaků.

Dějiny malířství se vyvíjejí a putují právě v těchto dvou smyslech: v figurativě, realismu a symbolice: od ikony (obrazu) k abstrakci.

Z hlediska technik tvorby obrazu se malba zásadně liší od grafiky. V prvním přiblížení je malba prací s tekutými materiály (barvivy smíchanými s různými pojivy), zatímco grafika je použití suchých materiálů (grafit, uhlí, sangvin, křída). Existuje však zásadnější rozdíl.

Čistá grafika využívá bělost (barvu) pozadí k vytváření tónových gradací. Čím silnější je vrstva barviva, tím tmavší je daný úsek obrazu nebo kresby. Práce na kresbě probíhá ve směru postupného sycení tónu, použití bílé není povoleno. Naopak v malbě je bílá základem obrazové techniky, barva se nanáší v tělese, těsně pokrývajícím pozadí, na jehož barvě nezáleží. Umělec pracuje ve vrstvách barvy, opakovaně přechází přes stejné oblasti obrazu a zesvětluje je nebo ztmavuje. Podle této klasifikace spadají do kategorie grafiky nejen tužka, sangvina a uhel, ale i akvarel. Naproti tomu pastel a kvaš jsou čistě malířské techniky.

Malířské techniky

Dlouho se věřilo, že historie olejomalby začala v 15. století a že jejím zakladatelem byl nizozemský umělec Jan van Eyck. Giorgio Vasari, autor knihy „Životopisy nejvýznamnějších malířů, sochařů a architektů“, nazýval van Eycka vynálezcem olejomalby a toto tvrzení později zopakoval Karel van Mander. Díky historikovi umění I. Mériméemu se názor na van Eycka jako objevitele olejomalby rozšířil v odborné literatuře. Neexistují však žádné důkazy od umělcových současníků, že by byl vynálezcem nové metody. Umělci ze severní i jižní Evropy pracovali s olejovými barvami dlouho před van Eyckem.

Olejová barva se získává kombinací barevného pigmentu s lněným olejem. Jako ředidlo se používá pinen, lakový benzín a další olejová rozpouštědla. Pro urychlení schnutí se používají řidší laky (například jedlový). V závislosti na tloušťce může vrstva barvy schnout od dvou nebo tří dnů až po několik měsíců. V tomto případě se konečná polymerace molekul zpožďuje o desítky let.

Olejomalba vyžaduje použití speciálního základního nátěru. Obvykle se skládá ze dvou částí – spodních dvou vrstev lepidla (rybí lepidlo, želatina), které zabraňují pronikání oleje do plátna nebo dřeva a následnému hnilobě, a tří až pěti vrchních vrstev – pro zlepšení přilnavosti, tj. spojení barvy se základním nátěrem, které obvykle obsahují lepidlo, křídu, glycerin. Pro práci s olejovými barvami se používají štětinové, sobolí a syntetické štětce, stejně jako další nástroje – malířské špachtle, špachtle.

Po zaschnutí olejové barvy lze obraz překrýt vrchním nátěrem (např. pistáciovou barvou, akrylovou barvou). To se provádí jednak pro ochranu vrstvy barvy a jednak pro vyrovnání reflexního lesku jejího povrchu.

• tempera;
• smalt;
• kvaš (protože umělec používá jako hlavní materiál papír, což je typické pro grafické druhy výtvarného umění, je také klasifikován jako grafika; o tom svědčí i její použití k tvorbě monochromatických děl);
• pastel (pro tuto techniku platí stejná poznámka jako pro předchozí);
• tuš (a v tomto případě, stejně jako v předchozích dvou, ji nelze jednoznačně zařadit mezi grafiku; na Východě je například kaligrafie, která tento materiál většinou používá, tradičně považována za malbu, jelikož ostatně akademická čínská malba používala především tuš – achromatický rozsah);
• malba na sádře: freska a a secco;
• mřížka;
• grisaille;
• karafiát;
• zasklení;
• pointilismus;
• sgrafita;
• sfumato;
• malování lepidlem;
• malba voskem: enkaustika, vosková tempera a studený proces (voskové barvy na terpentýnu);
• malování keramickými barvami;
• malování silikátovými barvami;
• malba akvarelem (techniky akvarelu se liší, některé techniky se blíží malbě, jiné grafice; proto není náhoda, že tezaurus obsahuje následující výraz: „malovat akvarelem“);
• suchý štětec;
• akryl;
• smíšená technika.

Malířské techniky jsou prakticky nevyčerpatelné. Všechno, co na něčem zanechává stopu, je, přesně vzato, malba: malbu tvoří příroda, čas a člověk. Toho si všiml už Leonardo da Vinci.

Tradiční malířské techniky: enkaustika, tempera (s vejcem), nástěnná (vápenná), klihová a další druhy. Od 15. století se stala populární olejomalba; ve 20. století se objevily syntetické barvy s polymerním pojivem (akrylové, vinylové atd.). Barvy mohou být vyrobeny z přírodních i umělých pigmentů.

Za malbu se považuje také kvaš, akvarel, čínský tuš a technika polokresby pastelem. Malovat lze na jakýkoli povrch: kámen, sádra, plátno, hedvábí, papír, kůže (včetně těla zvířete nebo osoby – tetování), kov, asfalt, beton, sklo, keramika atd., atd.

Úkoly malby jako umělecké formy

Malířství se nachází a koexistuje s výtvarným uměním, včetně architektury a sochařství; může se podílet na formování umělého i přírodního prostředí.

Malířství, stejně jako ostatní výtvarná umění, je iluzorní: je to napodobení trojrozměrného prostoru v rovině, dosažené pomocí lineární a barevné perspektivy. Jeho vizuální a navíc barevný aspekt (oko vnímá prakticky nekonečné množství informací v jediném okamžiku) však určuje výjimečné místo malířství mezi všemi výtvarnými uměními.

Zároveň vývoj umění, vizuálních metod a výrazových prostředků dávno překročil chápání jeho hlavních úkolů – „reprodukce reality“. Plotinus také říká: „Nekopírujte přírodu, ale učte se z ní“; a mnoho umělců se touto zásadou řídí po mnoho staletí. Úkoly malby proto neznamenají jen takovou organizaci prostoru na rovině, která je vedena a omezena rekreací trojrozměrného prostředí na ní, navíc jednotlivé metody byly dlouho vnímány jako „slepé uličky“ na cestě rozvoje umění (v kontextu pochopení a přehodnocení adekvátnosti vnímání). Rovina, stejně jako barva, má samostatnou celistvost a hodnotu, společně diktují své podmínky v syntéze forem jak na rovině jako takové – tak v interakci s trojrozměrným časovým prostorem. Umělec se již nemůže spokojit se souborem iluzorních technik („iluzionismus“), řídí se potřebami nového chápání krásy, odmítá irelevantní metody sebevyjádření a ovlivňování diváka, hledá nové formy téhož, dialekticky se vrací k nejlepšímu z odmítnutého, a tak dochází k pochopení a uvědomění si nových hodnot. Takové chápání metod a technických, expresivních úkolů umění pěstovali mezi dalšími teoretiky a mistry V. A. Favorskij a o. Pavel Florenskij a později je nezávisle rozvíjel sám V. A. Favorskij. Samozřejmě to není jediná „správná“ cesta vývoje moderního umění a malířství, nicméně mnohá ustanovení takové vize jsou velmi přesvědčivá a produktivní.

Pokud jde o klam striktního vyloučení malby z výtvarného umění, i teorie „ortodoxní“ umělecké kritiky ji již dávno přehodnotila. Zde je to, co se říká ne v nějaké složité koncepční studii, ale v „Encyklopedii populárního umění“: „Výtvarné umění se dělí na výtvarné a nevýtvarné umění. Mezi první patří malířství, sochařství, grafika, monumentální umění. Nevýtvarné umění zahrnuje architekturu, dekorativní a užité umění a umělecký design. Hranice mezi výtvarným a nevýtvarným uměním nejsou absolutní. “

„Funkce“ malby

Stejně jako jiné formy umění může malířství plnit funkce kognitivní, estetické, náboženské, ideologické, filozofické, sociálně-vzdělávací nebo dokumentární.

Hlavním a prvořadým expresivním a smysluplným významem v malířství je však barva, která sama o sobě je nositelem myšlenky (včetně psychologických faktorů vlivu a vnímání). To je velmi přesvědčivě vysvětleno a demonstrováno například teorií I. Ittena. Není náhoda, že existuje takový pojem jako „literárnost“, kdy malířství z nějakého důvodu, které nemá dostatečné plastické a expresivní kvality, přitahuje do svého arzenálu čistě narativní, „literární“ složku.

Nicméně, malířství, které se vyvíjelo společně s člověkem a celým světem, získalo jak novou interpretaci, tak i nové chápání úkolů. Zpočátku tedy mělo zjevné znaky samostatných plastických charakteristik (není náhodou, že jedním z hlavních parametrů oddělujících malířskou techniku od grafické je tah štětcem, který poskytuje širokou škálu plastických možností – v největší míře samozřejmě nejrozšířenějšímu typu – olejomalbě, ale také samozřejmě mnoha jejím novým druhům a technikám, implikujícím syntézu forem). Představa cest a úkolů malířství, stejně jako všechny prostředky a metody sebevyjádření, dějiny umění a tvůrčí prostředí – zažily zjevný vliv vývoje obecného kognitivního procesu, ale přirozeně ho samy ovlivnily a dotkly se mnoha aspektů světonázoru a činnosti člověka.

Přehodnocení funkcí malby, stejně jako veškeré kreativity, probíhalo popřením její účelnosti jako takové („Teprve uvědoměním si jejího naprostého nesmyslu lze začít tvořit,“ říká R.-M. Rilke); – uvědoměním si, že „toto je hluboký iracionální proces“ – tento názor sdílí nejen R.-M. Rilke a P. Klee, kterého správně vnímal a dobře chápal, ale i mnoho umělců a filozofů; navíc nové chápání umění a jeho úkolů bylo připraveno samotným jejich vývojem: nebylo možné vměstnat celek prchavého života, technických a technologických a nakonec – sociálních a morálních proměn – do prokrustovského lože ideologických a akademických dogmat a klišé, kněžsky izolovat umění od samotného vývoje života, redukovat tento hluboký tvůrčí proces sám na „dobře pochopené a dávno známé“ funkce.

Zvláštním případem jsou obrazy vytvořené lidmi, kteří vnímají okolní realitu v různé míře nedostatečně, v jejichž dílech se nevyskytují žádné pokusy o její realistické zobrazení. V některých případech taková plátna vytvářejí lidé s mentálními odchylkami od obecně přijímané normy a dokonce i pacienti zdravotnických zařízení.

Žánry malby

Portrét

Portrét je obraz osoby nebo skupiny osob, které existují nebo existovaly ve skutečnosti. „Portrét zobrazuje vnější vzhled (a skrze něj i vnitřní svět) konkrétní, skutečné osoby, která existovala v minulosti nebo existuje v současnosti.“

Hranice portrétního žánru jsou velmi flexibilní a často se dá portrét v jednom díle kombinovat s prvky jiných žánrů.

• Historický portrét – zobrazuje nějakou postavu z minulosti a je vytvořen na základě vzpomínek nebo fantazie umělce.
• Posmrtný (retrospektivní) portrét – zhotovený po smrti zobrazených osob na základě jejich životních snímků nebo i kompletně komponovaný.
• Portrétní malba – portrétovaná osoba je prezentována v sémantickém a dějovém vztahu ke světu věcí kolem sebe, přírodě, architektonickým motivům a ostatním lidem.
• Kráčející portrét – obraz osoby kráčející na pozadí přírody – vznikl v Anglii v 18. století a stal se populárním v době sentimentalismu
• Portrétní typ je kolektivní obraz, strukturálně blízký portrétu.
• Kostýmní portrét – osoba je prezentována v podobě alegorické, mytologické, historické, divadelní nebo literární postavy.
• Autoportrét je obvykle považován za samostatný podžánr.
• Náboženský portrét (dárce nebo ktitor) – starobylá forma portrétu, kdy osoba, která dar poskytla, byla zobrazena na obraze (například vedle Madony) nebo na jednom z oltářních křídel (často klečící). Podle charakteru obrazu:
• Formální portrét – zpravidla zahrnuje zobrazení osoby v plném růstu.
• Semiformální – má stejnou koncepci jako formální portrét, ale obvykle má střih do pasu nebo ke kolenům a poměrně rozvinuté doplňky.
• Komorní portrét – používá se zobrazení od pasu nahoru, hrudníku dolů nebo po ramena. Postava je často zachycena na neutrálním pozadí.
• Intimní portrét – je vzácným typem komorního portrétu s neutrálním pozadím. Vyjadřuje důvěrný vztah mezi umělcem a portrétovanou osobou.
• Maloformátové a miniaturní portréty, provedené akvarelem a tuší.

Krajina

Krajina je žánr malby, ve kterém je hlavním námětem obrazu původní příroda, respektive příroda do té či oné míry přetvořená člověkem. Existuje již od starověku, ale ve středověku ztratila svůj význam a znovu se objevila v renesanci, kde se postupně stala jedním z nejdůležitějších malířských žánrů.

marina

Marina je žánr výtvarného umění, který zobrazuje mořský pohled, stejně jako scénu námořní bitvy nebo jiné události odehrávající se na moři. Je to druh krajinomalby. Jako samostatný druh krajinomalby se marina objevila na počátku 17. století v Holandsku.

Malování historie

Historická malba je žánr malby, který vznikl v renesanci a zahrnuje díla nejen s náměty skutečných událostí, ale i mytologické, biblické a evangelické obrazy. Zobrazuje události minulosti, které jsou důležité pro určitý národ nebo celé lidstvo.

Bitevní malba

Bitevní malba je žánr výtvarného umění věnovaný tématům války a vojenského života. Hlavní místo v bitevním žánru zaujímají scény pozemních a námořních bitev a vojenských tažení. Umělec se snaží zachytit obzvláště důležitý nebo charakteristický okamžik bitvy, ukázat hrdinství války a často odhalit historický význam vojenských událostí.

Zátiší

Zátiší je zobrazení neživých předmětů ve výtvarném umění. Vzniklo v 15. a 16. století, ale jako samostatný žánr se formovalo až v 17. století v dílech nizozemských a vlámských umělců. Od té doby je důležitým žánrem v malířství, a to i v dílech ruských umělců.

Žánrová malba

Žánrová malba je součástí žánru každodenního života ve výtvarném umění. Každodenní výjevy byly námětem malby již od starověku, ale jako samostatný žánr se žánrová malba objevila až ve středověku a obzvláště silně se rozvinula v éře společenských změn v novověku.

Architektonická malba

Malba, jejímž hlavním tématem nebyla přírodní, ale architektonická krajina. Zahrnuje nejen zobrazování architektonických struktur, ale i zobrazování interiérů.

Zvířecí malba

Animalistický obraz je malířský styl, jehož hlavním námětem je zobrazení zvířat. Furry art je zobrazování antropomorfních zvířat.

Dekorativní malba

Monumentální malba je součástí monumentálního umění, malířství na budovách a stavbách.

Divadelní dekorativní malba jsou skicy kulis a kostýmů pro divadelní představení a filmy; náčrty jednotlivých scén.

Dekorativní malba jsou ornamentální a narativní kompozice vytvářené malbou na různých částech architektonických staveb, jakož i na výrobcích dekorativního a užitého umění.